Během několika chladných listopadových večerů v New Yorku se v parku shromáždily tisíce znalců, sběratelů, majitelů galerií (a jejich zaměstnanců), interiérových designérů a dalších, kteří mají rádi skvělou koktejlovou párty a ohromující předměty z umění. Avenue Armory pro OMG, OOO a AhAha kvůli originálním dílům velké krásy (a skvělých cen) za účelem získání peněz pro charity (včetně Dia Art Foundation a Planned Parenthood NYC). Sponzoři akce se zúčastnili Ruinart, Goyard, Lalique a InCollect.

Padesát šest majitelů galerií z 11 zemí (včetně USA. Evropy, Velké Británie, Německa, Belgie, Francie, Dánska, Itálie, Monaka, Nizozemska, Jižní Afriky, Španělska a Švédska) z 30 mezinárodních galerií - představilo globální přístup k modernismu. V salonu byl vystaven (pro nákup a obdiv) historický, moderní a současný nábytek, originální designy a umění z konce 19. - 20. století.

Hodnota kreativní ekonomiky

V roce 2015 činila hodnota umělecké a kulturní produkce v USA 763.6 miliardy USD, což představuje 4.2 procenta hrubého domácího produktu. Umění přispělo k národní ekonomice více než stavebnictví, těžbě, pojišťovnictví, ubytování a stravovacích službách.

Kreativní umělci jsou v USA ekonomickým přínosem a v roce 2015 měly USA díky umělcům obchodní přebytek v hodnotě 20 miliard USD v oblasti umění a kulturních komodit (Amerika vyvážela 63.6 miliardy USD a dovezla 42.6 miliardy USD umění a kultury).

Spotřebitelé kreativní ekonomiky utratí přes 102.5 miliardy USD za umění, včetně zboží a služeb, vstupenek, jídla, ubytování a dárků (2017).

Umělecký a kulturní sektor poskytuje velký počet pracovních míst (4.9 milionu v roce 2015), což představuje 3 procenta všech pracovních míst v USA, což souhrnně vyplatilo pracovníkům 372 miliard dolarů.

States Prosper z umění

Mezi státy představuje umění největší podíl washingtonské ekonomiky, 7.9 procenta neboli 35.6 miliard dolarů. Kalifornská umělecká ekonomika, která se opírá o filmový a televizní průmysl, přináší mezi státy nejvíce peněz se 174.6 miliardami dolarů (7 procent).

New York je v obou kategoriích na druhém místě, přičemž umění přineslo ekonomice 114.1 miliardy USD (7.8 procenta). Státní 462,584 46.7 uměleckých pracovníků vydělalo celkem 2015 miliard dolarů (XNUMX).

Nejméně se Delaware spoléhá na umění, které tvoří pouze 1.3 procenta ekonomiky státu, neboli 900 milionů dolarů.

Událost: Salon Art + Design Show

Jelikož mnoho umělců na této akci předvádí svá nejnovější díla, objevuje se v horní části seznamu „úkolů“ uměleckého světa. Rád bych získal téměř každý kousek, který byl vystaven, ale čas, prostor a omezené zdroje tuto činnost zakazují; mohu však doporučit „několik mých oblíbených věcí“.

Vybraný výběr

Molly Hatch. Studio Todd Merrill & Associates. New York

Molly Hatch přináší WOW do současného umění. Přeměnila to, co bylo klišé (nástěnné malované pokrmy populární ve 1940. letech), a proměnila tento koncept v sběratelská umělecká díla, která se hodí k tisíciletému životnímu stylu (mobilní, neomezený a proměnlivý).

Závěsné talíře byly tradičním způsobem vystavování dekorativního nádobí a byly součástí mnoha kultur od Evropy po Asii. Před staletími byly propracované ukázky desek v domě známkou bohatství a vysokého společenského postavení.

Dnes Hatch navrhuje, aby její talíře byly zavěšeny na zdi, aby je bylo možné pozorovat a obdivovat. Její nadrozměrné a barevně laděné patro vybízí diváky, aby přehodnotili, co je nového a co je nyní; to, co bylo běžné, je nyní mimořádné.

Hatch se narodila v roce 1978. Její matka byla malířka a její otec, ekologický producent mléka. Vystudovala kresbu a keramiku a získala titul BFA na Museum School v Bostonu. Po vysoké škole pracovala s hrnčířkou Mirandou Thomas ve Vermontu a keramické pobyty pokračovaly v USA a Západní Indii. Její MFA v keramice pochází z University of Colorado v Boulderu. V roce 2009 jí byla udělena umělecká / průmyslová rezidence v keramice v Uměleckém centru Johna Michaela Kohlera ve Wisconsinu.

Hatch v současné době pracuje ve svém domácím studiu v Northamptonu v MA. Kromě keramiky je spisovatelkou, výtvarnicí a designérkou a vytváří textilní vzory, nábytek, šperky, tisky, kresby perem a inkoustem a obrazy. Inspiruje se historickými trendy v oblasti textilu, písma, keramiky a nábytku a uznává současný životní styl, který zahrnuje kývnutí na hip-hop, texty indie písní, textové zprávy a shromážděná kolokvia.

Hubert Le Gall. Galerie dvacátého prvního století

Křeslo Maxou (2018)

Francouzský designér Hubert Le Gall se narodil v Lyonu v roce 1961. Byl vedoucím managementu na vysoké škole a po ukončení studia se přestěhoval do Paříže (1983). V roce 1988 začal malovat a vyřezávat, navrhovat kusy nábytku, které byly hraničními klíči, propojovat poetiku a fantazii s funkcemi.

Inspiruje se tím, co je surrealistické, ale šeptá (a křičí) řecké a římské civilizace, francouzské 18. století, období impéria, secese a art deco. Inspirovali ho také Salvador Dali, Jean Cocteau, surrealisté a Max Ernst.

Jeho dílo získalo mezinárodní potlesk v roce 1995, kdy ho objevila a propagovala majitelka galerie Elisabeth Delacarte. Jeho první výstava byla v pařížské galerii Avant-Scene a vystavená díla (včetně sedmikráskových stolů a květinových komod) se staly cennými jako jeho podpisové kousky.

Bohatý Mnisi. Jižní Afrika

Jihoafrický rodák Rich Mnisi zahájil podnikání v roce 2014. Je znám jako lídr ve vědě o módě a uznáván jako mladý módní designér roku v Africe (2014).

Mnisiho svůdná kožená lenoška má podobu Nwa-Mulamula (The Guardian) představující přítomnost jeho prababičky. Je to její existence a její učení, které trvají věčně vyprávěním, generací za generací. Stolička ve tvaru oka se zlatými kaluže, “… představuje její slzy, které nikdy nebyly marné. Bez její bolesti a jejích zkušeností bych neexistoval. Dnes jsem nemohl být osobou, kterou jsem “(Rich Mnisi).

Smyslné formy jsou nadčasové a jejich podstata je jedinečně africká, přestože je všeobecně fascinující.

Reinaldo Sanguino. Budoucí dokonalá galerie. New York City.

Reinaldo Sanguino se narodil ve Venezuele a v současné době pracuje v New Yorku. Jeho umělecké a keramické kousky vzdávají poctu živosti jeho prostředí a každý jedinečný kousek využívá jako strukturu a plátno médium z hlíny.

Sanguino vystudoval School of Visual Arts Cristobal Rojas v Caracasu ve Venezuele. Svou techniku vyvinul na základě svého zájmu o míšeňský porcelán a jeho významu v evropských dějinách. Je inspirován a ovlivňován malbou ve stylu graffiti a jeho práce přitahuje pozornost díky zářivým barvám, texturám a tvárným materiálům.

V roce 2007 byl nominován na bienále Louis Comfort Tiffany Biennial Award a jedním z umělců účastnících se 5. ročníku bienále El Museo Del Barrio 2007–2008, „(S) Files“ v New Yorku.

Sanguinova díla byla vystavena v galerii Sultan v rámci Dean Project New York; Muzeum umění a designu, New York; Muzeum výtvarných umění, Houston, Texas; Muzeum MINT v Charlotte v Severní Karolíně a Minneapolis Institute of Arts, Minneapolis, Minnesota. On dělal jeho Design Miami / debut s The Future Perfect (2017).

Pamela Sabroso a Alison Siegel. Galerie Heller. New York

Pamela Sabroso získala titul BFA v oboru řemesel a materiálových studií na Virginia Commonwealth University (2007) a Alison Siegel získala titul BA ve výtvarném umění na Alfred University (2009). V současné době žijí a pracují v Brooklynu v New Yorku.

Začali spolupracovat v roce 2014 a zjistili, že jejich myšlenky se objevují a spojují prostřednictvím kreseb, diskusí a fyzičnosti blízké spolupráce. Společně jsou dobrodružní a přinášejí každému novému objektu novou svěží a jedinečnou kvalitu. Závěrečné práce jsou zábavné, chytré, animované, nekonvenční a roztomilé. Rozhodně pracují v 21. století a sdílejí tvůrčí svobodu, která má své kořeny v raném americkém hnutí Studio Glass.

Práce náročné na práci začínají výrobou dílů a voskových forem pro foukání skla a sahají až k foukání skla. Sabroso, diskutující o své práci se Siegelem, „… abyste byli kreativní, musíte si dovolit být zranitelní. Když jste upřímní v tom, kdo jste, odhalíte jedinečnou a podivnou perspektivu. Naše kombinované výtvory jsou Stranger Together. “

Frank Lloyd Wright. Bernard Goldberg výtvarné umění. New York

Frank Lloyd Wright (1867-1959)

Wright se narodil v Richland Center ve Wisconsinu (1867). Během své 70leté kariéry architekta vytvořil Wright přes 1100 návrhů. Ačkoli nastoupil na University of Wisconsin (1885) a studoval stavební inženýrství, brzy s touto oblastí nebyl spokojen. Když pracoval pro Joseph Silsbee na stavbě kaple Unity, uvědomil si svoji vášeň pro architekturu, a tak se přestěhoval do Chicaga a učil se u architektonické firmy Adler a Sullivan, kde pracoval přímo s Louisem Sullivanem (1893).

Poté se přestěhoval do Oak Parku v Illinois a začal pracovat ve svém domácím studiu, kde vyvinul systém designu vyvinutý z mřížkových jednotek se zaměřením na přírodní materiály, který se stal známým jako Prairie School of Architecture.

Ve 1920. a 1930. letech trávil čas učením a psaním. V roce 1935 začal pracovat na Fallingwateru, svém nejslavnějším bytovém designu. Ve čtyřicátých a padesátých letech se zaměřil na usoniánské designy, které odrážely jeho víru v demokratickou architekturu a nabízel obytné možnosti střední třídy.

V roce 1943 navrhl Solomon R. Guggenheim Museum v NYC. Muzeum bylo otevřeno v roce 1959, šest měsíců poté, co zemřel, a je považováno za jeho nejvýznamnější dílo.

Galerie výtvarného umění Bernarda Goldberga v New Yorku začala v roce 1998 newyorským právníkem. Dnes se galerie specializuje na americké umění (1900-1950), včetně malby, sochařství a prací na papíře, od Ashcana, modernistické, městské realistické, sociální realistické a regionalistické.

Účast Hoi Polloi na akci

Podívejte se na salon v listopadu 2019. Udělejte si včasné rezervace ... toto je hvězdná událost pro každého, kdo považuje fascinující světy umění a designu.

© Dr. Elinor Garely. Tento článek o autorských právech, včetně fotografií, nelze reprodukovat bez písemného souhlasu autora.